Eine Ausstellung, die die historischen Museen Venedigs näher an das wachsende Angebot des Festlandes heranführt. Symbol dieses neuen Konzepts ist Gustav Klimts sinnliche Judith Die Ausstellung, die bis zum 14. Februar 2027 von Ca’ Pesaro in die Räumlichkeiten am Piazzale Candiani in Mestre umgezogen ist, präsentiert zahlreiche Werke aus den kostbaren venezianischen Depots, die bisher kaum ausgestellt wurden, sowie Leihgaben aus renommierten europäischen Ausstellungsräumen (Madrid, Wien, Budapest, Los Angeles u. a.). Eine kleine, aber feine Auswahl an Meisterwerken. Um ihnen eine Stimme zu geben. Gustav Klimt, Egon Schiele, Oskar Kokoschka und Mitarbeiter, die Venice Civic Museums Foundation, eine eng verbundene Arbeitsgruppe, koordiniert vom Kurator der Veranstaltung.
Elisabetta Barisoni, was ist das Neue an dieser neuen Ausstellung?
Wir haben uns verändert, und auch der Standort hat sich geändert, denn jetzt befinden wir uns in einem Museum, das der Stiftung selbst gehört; es ist das 14. städtische Museum, das sich ausschließlich der zeitgenössischen Kunst widmet. Muvec ist die Heimat der Zeitgenossenschaft in MestreWir präsentieren eine Ausstellung zum Mythos von Judith in der Kunst, die verschiedene Kunstepochen anhand unserer Sammlungen umspannt. Es ist ein großartiges Gefühl, Klimts Judith nach zehn Jahren wieder an diesen Ort zurückzubringen, der sich – auch dank des Teams, das ich vertrete – verändert hat. eine Gruppe, die sich mit großer Leidenschaft diesem Projekt widmete.
Wie läuft die Ausstellung ab?
Es ist eine Reise, die dem Körper gewidmet ist. Wenn Sie also Klimts Judith betrachten, achten Sie nicht nur auf das Gold und die prunkvollen Verzierungen, auch wenn die Sezession eine magische Epoche der Wiener Kunst war, voller Ornamente und kunstvoller Details. Es geht auch um die Schönheit; diesmal geht es um den Körper. Denn Judith verkörpert nicht nur eine willensstarke Frau mit ihren krallenartigen Händen, sondern auch eine moderne, nervöse Frau. Wir befinden uns im Jahr 1900 in Wien.Als Klimt seine visuelle Revolution begann, lebte in Wien ein Mann namens Sigmund Freud, der etwas analysierte, was jahrtausendelang niemand zu analysieren gedacht hatte, nämlich das Unbewusste. Er reflektierte auch über das Verdrängte, das sinnlich Verdrängte unserer Haut, unseres Körpers, dieses Objekts, das wir von Geburt bis Tod in uns tragen. Das ist die Bedeutung der Ausstellung.
Und dann gibt es auch noch viel Platz für Egon Schiele und andere…
Wir begannen mit einem weiteren Meisterwerk, einer weiteren Frau. Schiele ist ein Nachfolger, ein Schüler Klimts in dessen Auseinandersetzung mit dem Körper, doch er geht dabei einen ganz anderen Weg, denn es sind Fragmente, Schnitte, nackte Körper. Die Reise beginnt mit diesen beiden, wird Sie aber, so hoffe ich, mit derselben Leidenschaft, die uns bei der Konzeption empfunden hat, auch durch die 1920er und 1930er Jahre führen, die Jahre der Diktaturen. Sowjetische, nationalsozialistische und faschistische, die alle die Vision einer Welt teilen, in der es einen neuen Menschen mit einem neuen Körper gibt. Der Körper darf dann nicht mehr sinnlich, willentlich oder entfleischt sein, sondern muss ein gesunder, normalisierter Körper sein. Glücklicherweise sind die Meisterwerke, die wir bewahren, erhalten geblieben. Ca 'pesaro Sie ermöglichten es uns, uns mit jenen italienischen Künstlern auseinanderzusetzen, die den Fängen dieser Diktaturen entkommen waren. Dann gibt es da noch San Pietros Hund, Casorati und De Pisis, woraus der menschliche Körper besteht. Körper, die nicht so triumphal oder monumental sind, sind unvollkommen, so wie unsere Körper letztendlich auch.
Es gibt aber auch einige Künstler, die näher an unserer Zeit sind!
Wir schließen mit dem Abschnitt, für den ich den Archiven der Manzoni-Stiftung danke: den 1960er und 1970er Jahren. Die Künstler hatten Schiele jedoch nicht vergessen. Wir sehen Performancekunst, Körperkunst; man sieht Klein, wie er Frauenbäuche, Brüste und Schamhaare bemalt und sie als Pinsel benutzt. Piero ManzonIch, der beschissene Künstler, signiere stattdessen die Körper der Models mit meinen lebenden Skulpturen. Und dann geht es weiter mit Gina Pane, Ana MendietaDie politischste Form der Körperkunst, in dem Sinne, dass wir uns in den 70er Jahren befinden und Kunst immer politisch ist. Und wir sprechen über Politik, selbst wenn Gina Pane sich selbst verletzt und Blumensträuße rot färbt. Der Körper wird als Botschaft, als Medium genutzt; es ist keine Gewalt, es ist Poesie, es ist der Wunsch, gesehen und geliebt zu werden. Körperkunst bedeutet: „Seht meinen Körper an und liebt mich.“ Und aus ihrem Reiz erwächst eine Reflexion über unsere Zeit, denn ich denke, der Körper einer Frau ist nicht perfekt; es gibt keine Norm in der Sexualität und Körperlichkeit einer Frau. Ich hoffe, dass dieses Thema von dieser Ausstellung auch an die neuen Generationen weitergegeben wird.
Was war die größte Schwierigkeit für mich als Kurator bei der Sammlung und Auswahl dieser Werke?
Eine Schwierigkeit bestand beispielsweise darin, einige Werke auszuwählen, die nicht von Klimt, dem Gesellschaftsporträtisten – wohlgemerkt, einem fantastischen Maler – stammten, aber Klimt ist meiner Meinung nach, und nicht nur meiner, in seinen Zeichnungen sehr stark, weil er sich freier fühlt. Die drei anwesenden Hauptkünstler sind allesamt großartige Designer. Ich wollte die Aquarelle, die Zeichnungen, in denen Klimt diese Narbenbildung des Körpers und des Unbewussten vielleicht am eindringlichsten zum Ausdruck bringt. Ich denke, es ist uns gelungen, diese unterschiedlichen Sichtweisen auf den Körper auszudrücken, hoffe ich, auch dank der Tatsache, dass Auch in Italien gab es großartige Künstler.
Und zum Schluss Elisabetta Barisoni, was gibt es Neues im Muvec?
Wir arbeiten bereits an der Show für nächstes Jahr! Wir werden über Felice Casorati sprechen.Zum ersten Mal nach Kandinsky, Chagall, Matisse und Munch -und dieses Mal Klimt, Schiele und Kokoschka- Wir werden über einen Italiener sprechen, der ebenfalls in dieser Ausstellung vertreten ist.
